AIと自伝を執筆ですが、人・人間様の方が、凄まじく能力が、有ると気がつく。

マスコミ含め、超仰ぎすぎ、電力問題、莫大な資金投資されているようですが、HALハルは、まだまだ、こない。

煮詰まり、散歩に出ると、春ハルは来てました。

The Alan Parsons Project：アラン・パーソンズ・プロジェクトの

「(The System Of) Doctor Tarr and Professor Fether：タール博士とフェザー教授の療法」は、

1976年デビューアルバム『Tales of Mystery and Imagination：怪奇と幻想の物語』ですね。

 

ビートルズやピンク・フロイドのレコーディング・エンジニアとして知られるアラン・パーソンズが、エドガー・アラン・ポーの幻想文学を題材に構築したコンセプト・アルバム

その中でも本曲は、文学性とポップ性が見事に融合した楽曲として、

今なお語り継がれていた　だって！

 

高校生になった1976年、ロックに夢中、ディープ・パープルやレッド・ツェッペリンにどっぷりハマって、ハードロック、そしてプログレの名盤な後追いで聴きたいとそれにアメリカンロックも聴きたいと。

 

70年代、激動のブリティッシュロックシーンに、プログレぽい連中が、急にポップとクラシック融合か！？

――正直、判らん、でも才あるような？　それが、アラン・パーソンズ・プロジェクト：APPでした。

 

むちゃくちゃ人気があったようでなく、ELOもいたし。日本では、万民受けはセカンド77年『アイ・ロボット』 からだったと思う。それも、ビートルズやピンク・フロイドのようなコンセプト感満載！

リリース年：1976年
収録アルバム：Tales of Mystery and Imagination
最高順位：37位（Billboard Hot 100）
作詞作曲：Eric Woolfson, Alan Parsons
プロデュース：Alan Parsons
ボーカル：John Miles

 

 

ビートルズとピンク・フロイドを録った男

ビートルズの『Abbey Road』でアシスタント・エンジニアやってた時が19歳だ。

19歳で「Here Comes The Sun」や「Maxwell's Silver Hammer」のセッションで

アシスタントを務めて、あの横断歩道の撮影にも立ち会ってると言われてる。

知らんけど（笑）

 

ピンク・フロイドの『狂気(The Dark Side of the Moon)』。

心拍音、現金レジスターの音、笑い声――全部パーソンズと言われ、

クワドラフォニック(4チャンネル)サウンドの実験、音圧バランスや空間設計において、

当時としては画期的な手法を用いた男だと言われてる。

知らんけど（笑）

 

『Wish You Were Here』でもエンジニアとして参加し、

「Shine On You Crazy Diamond」での重層的な音作り。

いつのまに音響の魔術師と呼ばれた男が、

自分のプロジェクトを始めた。

狂気の物語を、なぜかロックで歌う？

それがデビューアルバム『怪奇と幻想の物語(Tales of Mystery and Imagination)』。

エドガー・アラン・ポーの怪奇小説のコンセプト・アルバム。

 

「タール博士とフェザー教授の療法」の原作は、ポーによる同名短編小説。

精神病院で患者が反乱を起こして、医師になりすまして施設を支配するっていうブラックな話。

ダークで重苦しい曲をところがAPPは真逆、軽快なロック・ナンバーに仕上げ。

 

まあクラシックと融合で、ELPより、エンジニアらしく、クラシック強気の曲もある。

品の良い、ロックオペラ、ザ・フーより才はあっかも、当時は気がつかん、だってプログレ！？が正直なところ。

ボーカルはジョン・マイルズ、ソロで「Music」って曲でヒットになった。

 

プログレ系がなぜPOPに向かったのか？

正直言って、当時は違和感があった。

ハードロック少年からは「ポップになるんだよ？」って思った。80年代のジェネシス前兆と思えば、今は納得感になるけど。

 

スタジオ技術の進化。シンセサイザーやマルチトラック録音が一般化して、

複雑な音を整理してポップに仕上げることができるようになった。アビイロードより進化の最先端にいたエンジニアだから、

誰よりもそれができた。

 

そして商業的現実。ラジオで流れなきゃ売れない。チャートに入らなきゃ意味がない。APPは最初からスタジオ・プロジェクトで、ライブバンドじゃなかった。だからこそ、ラジオ向けサウンドを追求したと思う。

ボストンが登場

同じ時期、アメリカではボストンが出てきた。

トム・ショルツが自宅スタジオで作り上げたあのサウンド――ハードロックの迫力とギターの歪みを残しながら、

完璧なハーモニーと録音クオリティでPOP化した。『More Than a Feeling』ロックしてる。

ボストンはハードロックのエネルギーとロックンロールの直情性は残し、スタジオで磨き上げたと思う。

 

一方、APPは違った。知性とスタジオワークを武器にして、クールに割り切った。ロック魂というより、理論的。

そこがどちらも時代の産物だけど、ロックへの向き合い方が全然違うが、同じ頃で出てくるところが、70年代ロック、多様性とロックの進化？　好みの別れるところだと思うけど。

先駆的サウンド「The Raven」

アルバムの冒頭を飾る「The Raven」では、ボコーダーを使った実験的なボーカル処理が入ってる。

かなり先鋭的。APPは固定バンドじゃなく、"スタジオ・プロジェクト"という形。

この制作体制が、後の「Eye in the Sky」みたいなヒット曲を生み出していく。

 

知的なコンセプト(文学、SF、哲学)を扱いながらも、音楽としてはAOR的な滑らかさがあり、70年代後半から80年代にかけて、プログレとポップの"ちょうどいい距離感"を保った存在だったかな～

 

と云うことでおまけは同アルバムから1987Remixで

The Alan Parsons Project - The Raven

 

 

 

 

ホークウィンドの「Levitation」で、アルバムは1980年同主題『Levitation：宇宙遊泳 - レヴィテイション』ですね。

1980年。世界はAC/DCの黒い衝撃に塗りつぶされ、アイアン・メイデンが疾走を開始した年だった。

 

日本でも「ニューウェイヴ」か「NWOBHM」か、音楽シーンは二項対立の様相があったかもですが、断然、小生は迷わずニューウェイヴだった。

 

誰がこの「宇宙船」の音に耳を傾けただろうか。いないと思う（笑）。

でも、なんで知っていたのだろう。今思い返しても不思議。

 

そんな時代に存在していたのが、ホークウィンド。かつてレミーを輩出し、

ただひたすら売れない線を潔く貫いてきた彼らが、

突如として手に入れたジンジャー・ベイカーという重戦車。

 

この組み合わせが生み出したのがホークウィンド『Levitation』だった。

 

【アルバム情報】

• タイトル: Levitation（宇宙遊泳 - レヴィテイション）
• リリース年: 1980年（初版：英 / 日本盤：ブロンズ・レコード）
• 最高順位: 全英21位
• 作詞作曲: Dave Brock（Levitation）

布陣:

• Dave Brock (G/Vo)
• Ginger Baker (Drums)
• Huw Lloyd-Langton (G)
• Harvey Bainbridge (B)
• Tim Blake (Key)

誰にでも、「音楽の扉が開いた瞬間」がある。
私の場合、それは14歳。中2の友人宅で聴いた『サージェント・ペパーズ』だった。

ビートルズは、すでに解散していた。
だから私のビートルズ体験は、リアルタイムではなく、追体験だった。

シングル曲をラジオで耳にして、そしてアルバムと出会った。
LPは高価で、簡単には買えない。友人の家で聴かせてもらうしかなかった。

そして、映画を観た。

 

『サージェント・ペパーズ』から『アビイ・ロード』へ。
67年から70年のわずか3年間に、ビートルズは途方もない変化を遂げていた。
 

その後期の4枚――『サージェント・ペパーズ』『マジカル・ミステリー・ツアー』

『ホワイト・アルバム』『アビイ・ロード』

当時の私には、まだ言葉にできなかった。
ただ圧倒され、ただ繰り返し聴いた。
それでも、心のどこかで確かに感じていた。
「ここには、すべてがある」と。

この五部作は、かつて14歳・15歳の私が受け取った衝撃を、
いま改めて言葉にしてみる試みでもある。
回顧ではなく、再発見として。

 

 

 

 

 

 

 

 

 

『レット・イット・ビー』は宿題にします。

ディズニープラスの2021年11月放送ドキュメンタリー映画『ザ・ビートルズ：Get Back』が

凄すぎて、5年前の事ですが、まだまだ頭のなかで、消化できなようです。

これとビートルズ前期も、映画『ビートルズがやって来るヤァ!ヤァ!ヤァ!』『ヘルプ!4人はアイドル』

キーにして、書きたいですね。

 

でも、その前に74年オンタイムでクイーンを聴いていることを思い出しましたので、

70年代ロックはクイーンから再編集したいです。

 

 

 

 

4500頁、15年の熱量を、今の視点で削り出す。
　【再編集2026】プロジェクト始動。

 

ロック前

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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昨日、雪

今日は快晴

河津桜、咲き始めました

なぜ、あのB面は未来へ向かって回転していたのか。

 

■ 人類最後のアルバムを選ぶなら

もし「人類が最後に残すアルバム」を一枚選べと言われたら、
私は『ホワイト・アルバム』か『アビイ・ロード』で迷う。
……が、押すのは『ホワイト・アルバム』だ。

それでも、「時間・音楽の魔法」を最も強く感じるのは、
間違いなく『アビイ・ロード』のB面メドレーだ。

あのB面には、確かに**「音楽の魔力」**がある。

――――――――――――――――

■ 中学の美術室で描いた「三日月の地球儀」

転校したばかりの中学3年。
美術の授業で、私は奇妙な絵を描いた。

半分だけ欠けた地球儀。
やがてそれは、三日月のような形へと変化していった。

 

理由は分からなかった。
ただ、耳と心を支配していたのは
『アビイ・ロード』のB面だった。

「半月の地球儀」というイメージを、
美術の先生は強く評価してくれた。
転校生だった私は、そこで初めて注目された。

 

音楽好きの自覚はあったが、
図工も技術家庭科も苦手。
母には「ぶき不器用」と言われ続けていた。

音楽には、インスピレーションを
別の表現へと変換する力がある――
そんな気分になった。

もっとも、後に絵の才能も楽器の才能もないと分かる。
母の見立ては、やはり正しかった（笑）。

 

1975年中3、アビイ・ロードのレコードを裏返した瞬間、

「ヒア・カムズ・ザ・サン」「ビコーズ」からの

「You Never Give Me Your Money」から最後まで、

こんな曲があったのかと。『サージェント～』の

「ア・デイ・イン・ザライフ』とは違う、フィーナーレのような高揚感。

――――――――――――――――

■ B面メドレーという「運動体」

You Never Give Me Your Money  
Sun King  
Mean Mr. Mustard  
Polythene Pam  
She Came In Through The Bathroom Window  
Golden Slumbers  
Carry That Weight  
The End

後に知った。
ジョンとポールが持ち寄った、未完成の断片だったことを。

普通ならボツになるような素材を、
ジョージ・マーティンが編集でつなぎ合わせた。

完成された彫刻ではない。
未完のまま、動き続ける音楽だった。

 

――――――――――――――――

■ 25年後、東京ドームで完成したB面

1990年3月東京ドーム。日本初ソロ・ポール・マッカートニー公演に

アンコールで、遭遇する。不意打ちだった、

昔はネットなく何の曲が演奏されるか、知らない状況。

 

でも、聴く方が立て込んでいた。

1990年2月ローリング・ストーンズ初公演でいたく感動、

これぞロックと堪能、友人のコネを使いアリーナ正面14列目も効いた。

ビートルズファンと自覚しながら、

最初かったロックアルバムはストーンズの73年『山羊の頭のスープ』。

 

翌月のポール・マッカートニーの公演はコネはきかなく、

球場座席、100ｍぐらい離れていた。

それでも、1975年・1980年の中止をこえて、

生のポール・マッカートニーを観れた事に、

感激で号泣のままで、アンコール不意打ち、

 

Golden Slumbers から You Never Give Me Your Money リフレイン　

Carry That Weight The Endで、

よみよみがえりの「三日月の地球儀」をイメージ。

 

あのB面は、
未来で完成することを、どこかで知っていたかのようだった。

――――――――――――――――

■ 欠けているからこそ、回る

中学時代に描いた三日月の地球儀は、

東京ドームで自分の中で完成した。

私にとっては『アビイ・ロード』のB面は、

未来に向けて作られていたモノかもしれない。

 

過去の記憶はすべて断片だ。
だが、つなげて回し続ければ、構造になる。

『アビイ・ロード』B面のように。

ビートルズも又、
「世の中、偶然はなく、すべて必然だ」
そう教えてくれた気がしている。

――――――――――――――――

 

 

編集後記

再編集2026という作業に、AIを導入したが、簡略化どころか悪戦苦闘（笑）全然楽にならん。 

今までは、誤字脱字極力注意してるつもりで（笑）直書きが、編集行為になり時間が倍になる。

さらに考え込む。編集には作為が作用するから、心直球の直書きにこだわってきたのに。

人間だもの！

 

ただ、導入動画を作る時、現物の絵は無く、記憶だけを頼りに書いたら、30分で4案が出てきた。その中から選ぶだけ。

 

50年前に頭の中にあったイメージが、ついに現物・完成形になった。

 

 宣伝の仕事をしていた者には、驚異的。デザインワーク、映像制作の部下が常にいる状態。

20年前を思えば、タダ同然の費用で瞬時に完成する。これ、良いのか悪いのか？ 

まあ、クリエイトするのは人間だから、ゼロイチは人間。

 

でも、まもなく自律型AIができると思う。その時、人はまだ自前でブログ書くのか？ 

 

とりあえず『ビートルズの後期5部作【再編集2026】』完結。

後にビートルズ前期や「レット・イット・ビー」もやりたい。

再編集して気づきがあり、ビートルズを後追いで聴き始めた頃、

クイーンはオンタイムで聴いていた。

 

次回【再編集2026】は、クイーンを書きたいと思ってます。

 

 

 

ロックはここから始まった！

 

 

 

 

 

 

4500頁、15年の熱量を、今の視点で削り出す。
　【再編集2026】プロジェクト始動。

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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なぜ、あのB面は未来へ向かって回転していたのか。

 

■ 人類最後のアルバムを選ぶなら

もし「人類が最後に残すアルバム」を一枚選べと言われたら、
私は『ホワイト・アルバム』か『アビイ・ロード』で迷う。
……が、押すのは『ホワイト・アルバム』だ。

それでも、「時間・音楽の魔法」を最も強く感じるのは、
間違いなく『アビイ・ロード』のB面メドレーだ。

あのB面には、確かに**「音楽の魔力」**がある。

――――――――――――――――

■ 中学の美術室で描いた「三日月の地球儀」

転校したばかりの中学3年。
美術の授業で、私は奇妙な絵を描いた。

半分だけ欠けた地球儀。
やがてそれは、三日月のような形へと変化していった。

 

理由は分からなかった。
ただ、耳と心を支配していたのは
『アビイ・ロード』のB面だった。

「半月の地球儀」というイメージを、
美術の先生は強く評価してくれた。
転校生だった私は、そこで初めて注目された。

 

音楽好きの自覚はあったが、
図工も技術家庭科も苦手。
母には「ぶき不器用」と言われ続けていた。

音楽には、インスピレーションを
別の表現へと変換する力がある――
そんな気分になった。

もっとも、後に絵の才能も楽器の才能もないと分かる。
母の見立ては、やはり正しかった（笑）。

 

1975年中3、アビイ・ロードのレコードを裏返した瞬間、

「ヒア・カムズ・ザ・サン」「ビコーズ」からの

「You Never Give Me Your Money」から最後まで、

こんな曲があったのかと。『サージェント～』の

「ア・デイ・イン・ザライフ』とは違う、フィーナーレのような高揚感。

――――――――――――――――

■ B面メドレーという「運動体」

You Never Give Me Your Money  
Sun King  
Mean Mr. Mustard  
Polythene Pam  
She Came In Through The Bathroom Window  
Golden Slumbers  
Carry That Weight  
The End

後に知った。
ジョンとポールが持ち寄った、未完成の断片だったことを。

普通ならボツになるような素材を、
ジョージ・マーティンが編集でつなぎ合わせた。

完成された彫刻ではない。
未完のまま、動き続ける音楽だった。

 

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■ 25年後、東京ドームで完成したB面

1990年3月東京ドーム。日本初ソロ・ポール・マッカートニー公演に

アンコールで、遭遇する。不意打ちだった、

昔はネットなく何の曲が演奏されるか、知らない状況。

 

でも、聴く方が立て込んでいた。

1990年2月ローリング・ストーンズ初公演でいたく感動、

これぞロックと堪能、友人のコネを使いアリーナ正面14列目も効いた。

ビートルズファンと自覚しながら、

最初かったロックアルバムはストーンズの73年『山羊の頭のスープ』。

 

翌月のポール・マッカートニーの公演はコネはきかなく、

球場座席、100ｍぐらい離れていた。

それでも、1975年・1980年の中止をこえて、

生のポール・マッカートニーを観れた事に、

感激で号泣のままで、アンコール不意打ち、

 

Golden Slumbers から You Never Give Me Your Money リフレイン　

Carry That Weight The Endで、

よみよみがえりの「三日月の地球儀」をイメージ。

 

あのB面は、
未来で完成することを、どこかで知っていたかのようだった。

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■ 欠けているからこそ、回る

中学時代に描いた三日月の地球儀は、

東京ドームで自分の中で完成した。

私にとっては『アビイ・ロード』のB面は、

未来に向けて作られていたモノかもしれない。

 

過去の記憶はすべて断片だ。
だが、つなげて回し続ければ、構造になる。

『アビイ・ロード』B面のように。

ビートルズも又、
「世の中、偶然はなく、すべて必然だ」
そう教えてくれた気がしている。

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編集後記

再編集2026という作業に、AIを導入したが、簡略化どころか悪戦苦闘（笑）全然楽にならん。 

今までは、誤字脱字極力注意してるつもりで（笑）直書きが、編集行為になり時間が倍になる。

さらに考え込む。編集には作為が作用するから、心直球の直書きにこだわってきたのに。

人間だもの！

 

ただ、導入動画を作る時、現物の絵は無く、記憶だけを頼りに書いたら、30分で4案が出てきた。その中から選ぶだけ。

 

50年前に頭の中にあったイメージが、ついに現物・完成形になった。

 

 宣伝の仕事をしていた者には、驚異的。デザインワーク、映像制作の部下が常にいる状態。

20年前を思えば、タダ同然の費用で瞬時に完成する。これ、良いのか悪いのか？ 

まあ、クリエイトするのは人間だから、ゼロイチは人間。

 

でも、まもなく自律型AIができると思う。その時、人はまだ自前でブログ書くのか？ 

 

とりあえず『ビートルズの後期5部作【再編集2026】』完結。

後にビートルズ前期や「レット・イット・ビー」もやりたい。

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クイーンはオンタイムで聴いていた。

 

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長谷川和彦監督の訃報を聞いた。

思い出すのは、1979年、新宿住友ビルの広場だ。

浪人生が出くわした現場

79年、19歳。大学受験に落ちて、中野のアパートに住んでいた。

高田馬場の予備校からの帰り道、

バス代がもったいなくて、新宿の高層ビル群を抜けて歩いて帰るのが日課だった。

初夏の夕方、新宿住友ビル(三角ビルと呼んでいた)の広場を通りかかったら、

何か撮影をしていた。

 

田舎から出てきたばかりで、映画の撮影なんて初めて見る。興味津々で近づいたら、

いきなり怒鳴られた。キョトンとした。何が起きたのかも分からなかった。

邪魔にならない場所に立たされて、

 

そこから撮影されている人を見たら――沢田研二だった。

1979年の沢田研二だ。歌謡界の大スター。東京ってすごいところだと思った。

その作品が、長谷川和彦監督の『太陽を盗んだ男』だった。

「俺はここにいた」

10月に公開された。受験生なのに、すぐ観に行った。

映画の中で、主人公の城戸誠が高層ビルを支えるシーンが一瞬出てくる。

そのシーンが映った時、心の中で叫んだ。

「俺はここにいた」

映画の中に、自分がいた場所が映っている。その場所に、あの日確かに立っていた。

それだけのことなのに、興奮した。

映画は、容赦しなかった

『太陽を盗んだ男』は、容赦しない映画だった。

高校教師が手製の原爆を作る。国を脅す。警察が追う。

1979年、原発は「安全」だと誰もが(信じさせられていた)時代に、

原子爆弾を個人が作るというストーリーは、相当な覚悟がなければ撮れない。

でも、俺たちは本当に信じていたか？

 

原発が安全だなんて。

誰も本気で信じちゃいなかった。ただ、そういうことになっていただけだ。

 

長谷川監督は、その嘘を映画にした。

映画もロック！

この映画の音楽は、井上堯之バンドが担当している。

全編を通して、緊張が続く。リズムは無機質で、観客を突き放す音。

 

ほんの挿入歌でカルメン・マキの「Easy Come, Easy Go」。

日本ロックも凄いと思っていた頃、浪人生なのに、ライブハウスを知り、通い始めた頃。

 

カルメン・マキの声が解く。

Easy come, easy go
なるようにしかならない。

 

 

偶然はない、すべて必然

あの日、新宿住友ビルの広場を通らなければ、映画の撮影現場を見なかった。

怒鳴られなければ、沢田研二を見ることもなかった。

 

映画を観なければ、「俺はここにいた」と叫ぶこともなかった。

その後、映画業界に入った。希望の大学には入れなかったが、映画の仕事には就けた。

 

1979年のあの日、新宿住友ビルの広場で、確かにあの現場にいた。

 

世の中に、偶然はない。すべて必然だ。

長谷川和彦が遺したもの

長谷川和彦監督は、多くの作品を撮らなかった。

だが、一本の映画が、一人の人生を動かすことはできた。

 

1979年、19歳。浪人生。予備校帰り。新宿住友ビルの広場。

そこで出会ってしまった映画が、これも私の原点。

 

『太陽を盗んだ男』は、今でも邦画No.1だと思っている。

 

世界は、今日もそのままだ。原爆も原発も。

 

長谷川和彦監督、ありがとうございました。

 

 

 

 

 

 

 

 

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ロックはここから始まった！

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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ロックは、ある日突然、耳に飛び込んできたわけではない。
それ以前に、すでに心のどこかに「受け取る準備」ができていた。
テレビのブラウン管、物語の余韻、もの寂しい旋律──
少年時代に無自覚のまま刷り込まれた感情の型が、のちにロックを“必然”として迎え入れる。
この三部作は、音楽以前の記憶をたどる試みであり、回顧ではない。
私がロックと出会う前に、すでに形成されていた世界の輪郭を、再編集という視点で掘り起こす。

 

 

 

 

 

この三部作は、過去を振り返るためのものではない。
ここで形づくられた感情の輪郭が、この先のロック体験──そして現在の私の聴き方へと、確かにつながっていく。

 

 

所信もここにあります。

 

 

 

 

 

Little River Bandの「The Night Owls」は、1981年リリースの7作目のアルバム

『Time Exposure：光ある時を』からのシングルですね。

 

リトル・リバー・バンド、ブログするまでオーストラリアのバンドとはしっかり忘れていたけど、米ウェストコーストとずっと思い込んでいたけど。70年代末から80年代、オーストラリアのミュージシャンは人気ありました。

オリビア・ニュートン＝ジョン、ビージーズ（英出）AC/DC 、INXS (インエクセス)、

メン・アット・ワーク、ミッドナイト・オイル、クラウド・ハウス　たくさんいました。

 

で、リトル・リバー・バンドの「The Night Owls」は、80年代AORの到達点、を示す楽曲になるかなと。

前作『Backstage Pass』の成功から1年、MTVが台頭し始めた80年代初頭、このアルバムは、

オーストラリア出身のバンドがアメリカでウケた。そして日本でも伝わった成熟した証。
グレン・ショロック（ボーカル）
ベオン・リーフソン（ギター）
デヴィッド・ブライズ（ギター）
ジョージ・マカラエ（ギター）
ウェイン・ネルソン（ベース）
デレク・ペレア（ドラムス）

リリース年：1981年
収録アルバム：Time Exposure
最高順位：6位（Billboard Hot 100）
プロデューサー：George Martin（ジョージ・マーティン）
録音スタジオ：AIR Studios Montserrat

 

――このラインナップによる、都会的なサウンドを持った作品と思う。

夜の都市を泳ぐように聴く一枚――『Time Exposure』"夜型人間のためのAOR"というか、

ニュー・ウェイヴに対極するようなPOPありました。

「The Night Owls」という曲

「The Night Owls」はアルバムからの先行シングルとして発表され、
Billboard Hot 100で6位を記録。これがリトル・リバー・バンド最後のトップ10ヒットとなった。

シンセとギターの絡みは、過度に主張せず、ただそこに"在る"。

前作までのキャピトル・スタジオでの録音から一転、『Time Exposure』はカリブ海の孤島、

モンセラットにあるAIR Studiosで録音された。

プロデューサーは、ビートルズを手がけたジョージ・マーティン。

 

リトル・リバー・バンドが70年代に培ってきたコーラスの緻密さを残しつつ、
80年代的な音の明瞭さ──クリアなギター、抑制されたシンセ──を加えたのは、
間違いなくマーティン、やっぱりビートルズの育ちには耳に残る。

孤島ならではの制約が、音楽的な集中力を生んだと思う。

「Take It Easy on Me」と「Man on Your Mind」の配置

そこに「Take It Easy on Me」（Billboard Hot 100で10位）のような親しみやすいメロウさと、
「Man on Your Mind」（同14位）の軽快さもあり、明るめと夜の対比。

"聴き流し"に生活の中で何度も再生される音楽になる。

いかにもAOR全盛期らしい洗練がある。それが、「The Night Owls」つながる。

 

このアルバムが出た1981年は、AORが"ジャンル"として完全に確立した時期。
アメリカ的な都市感覚を巧みに取り込んだ。その意味で、『Time Exposure』は
"外から見た80年代アメリカ"の鏡像かも。

 

FMラジオが"文化"だった時代

このアルバムが「どう聴かれていたか」という問題、たぶん買わずレンタルだったとか

カセットテープに録音、もしくは友人に借りたか。

 

1981年、FMラジオはまだ"文化"だった。ここで音楽をしった。夜に聴く番組があった。

クロスオーバーイレブンとか家にいる限り聴いた。タイマーして録音もした。

 

選曲と語り、深夜という時間帯──
すべてが、音楽をただの"楽曲の集合"ではなく、一つの体験だった。

 

『Time Exposure』は、FM向きに、輝く種類のアルバム。

「生活といしょの音楽」は配信がなくても、ラジオがあった。

 

と云うことでおまけは同アルバムから

 

Little River Band - Take It Easy On Me 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ロックはここから始まった！

 

 

 

 

 

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